El galerista que bajó de la montaña
24.02 – 25.05.24
Las artistas reunidas en la exposición El galerista que bajó de la montaña encaran un doble desafío: por una parte, ser la cara visible de la primera exposición de Araucària galeria d’art y lo que eso signifique a la hora de proyectar lineamientos curatoriales, y por otra, de entrar en un diálogo crítico con las imágenes expuestas y así celebrar el encuentro con otras formas de mirar y proceder, según las diversas disciplinas artísticas convocadas, como xilografía, fotolito offset, pintura, telar, video, instalación, performance y escultura, en manos de Ximena Medina Sancho, Blanca Navas, Milena Gröpper, Susana Gough, Gian Padilla, Lotty Rosenfeld, Alejandra Coz, Gotza Gotza (Gordana Zikic) y Estela Moreno.
En general, lo que se deja entrever de la selección que nos presenta Carlos Zúñiga, pintor y director de la galería, destaca el interés estético por aquellas obras de arte que resultan de procesos técnicos de investigación y que entrelazan o sugieren, en términos de signos y significantes, conceptos como conservación, inspiración, espacio, luz, abstracción, insumisión, muerte, chamanismo, tiempo, entre otros, sumado a las experiencias que los mismos visitantes puedan vivir en la muestra.
El director, asimismo, se complace de presentar la obra del pintor Óscar Brandariz, quien fue el encargado de pintar el letrero de galería de arte más hermoso de la historia, para dar visibilidad y transmitir desde la puerta de entrada, el respeto y cuidado que merecen los oficios artísticos y el medioambiente, a través de una pintura de paisaje de araucarias del sur del mundo.
Finalmente, hay que señalar que la galería cuenta con un espacio reservado para la exposición de la obra del pintor Carlos Zúñiga.
OBRAS EN EXPOSICIÓN
LOTTY ROSENFELD, La guerra de Arauco, video, 6’, edición de 5, 2001.
Reseña de obra
La guerra de Arauco emplaza la comparecencia por la explotación de la tierra entre la etnia Mapuche y el Estado chileno. La puesta en escena del extractivismo en bucle encuentra su reflejo en la destrucción iracunda de la porcelana civilizatoria, que sirve al Estado para mostrar al mundo lo incivilizado de la mujer Mapuche. Similares prácticas televisivas o montajes del poder han ido configurando por siglos una retórica que sitúa a la etnia Mapuche como enemigo del Estado chileno, cuyo destino es el asedio público y la persecución terrorista. La explicación data desde la llegada de los españoles y es precisamente en el mal entendido del lenguaje donde Rosenfeld pone toda su atención. La no traducción del audio en mapudungún (la lengua Mapuche), es el gesto con que la artista reafirma su compromiso contra cualquier forma de sumisión.
BLANCA NAVAS, Las Inspiradoras. MODERNA ENCICLOPEDIA FEMENINA, 1967, 1/1, Fotolito offset sobre papel Arches 270 gr, plancha perdida, 203 x 333 cm montaje, 2001.
BLANCA NAVAS, Las Inspiradoras. MODERNA ENCICLOPEDIA FEMENINA, 1967, detalle.
Reseña de obra
La persona inspiradora es aquella que la persona inspirada identifica en tributo o reconocimiento a su quehacer. En la obra de Blanca Navas se dan cita veinte retratos de mujeres con sus respectivos nombres, extraídas del artículo Las Inspiradoras de la Moderna Enciclopedia Femenina, que dice inspiraron a veinte hombres que han pasado a la historia y de los cuales tenemos sus nombres escritos bajo el retrato en espejo de ellas. La artista sustituye el retrato de los hombres por el de las mujeres que los inspiraron en una operación visual que resume la inspiración, a partir de la transfiguración como reflejo del otro, para revelar que la construcción de identidad toma aliento y en ocasiones queda determinada por la identificación con la otredad, con el afuera.
MILENA GRÖPPER, Ni lo uno ni lo otro I, óleo sobre tela, 140 x 100 cm, 2023.
MILENA GRÖPPER, Ni lo uno ni lo otro II, óleo sobre tela, 140 x 100 cm, 2023.
Reseña de obra
En las pinturas de Gröpper se cruzan en un mismo plano, tiempo y espacio, mundos aparentemente opuestos como lo son el género abstracto y el figurativo. En este plano de extremos convergen la profundidad del espacio de representación del llamado cuadro ventana con el cristal de la ventana, como si esta última hubiese sido intervenida con un rotulador posteriormente, en otro tiempo. Sin embargo, al mirar de cerca las transparencias y en menor grado las veladuras, podemos observar que ambos mundos fueron concebidos, dibujados y materializados con pintura al mismo tiempo, creando una imagen técnica y visual del pensamiento de la artista.
SUSANA GOUGH, Cinema Catalunya, óleo sobre tela, 65 x 46 cm, 2022.
SUSANA GOUGH, A oscuras, óleo sobre tela, 81 x 100 cm, 2024.
Reseña de obra
Dos escenarios, una habitación en penumbra y una vitrina luminosa, son las propuestas con que Susana Gough nos enseña su comprensión de la luz. Un estudio preparativo de bocetos para afinar el encuadre y ensayar el color, servirán de base para trazar el dibujo sobre tela con lápiz, reglas e hilo, así corregir la deformación de la lente fotográfica y acercarnos a la visión humana. Luego con pintura por capas de manchas oscuras y tonos medios, cubre diversas zonas de la superficie para dar cuerpo y profundidad al espacio, así finalizar con luces y destellos. En su observación, la temperatura lograda en sus pinturas es verosímil a la luz del momento en que fueron captadas y la sensación familiar de visitar los lugares, o incluso de estar dentro de ellos, es el resultado de este minucioso estudio de la luz.
ALEJANDRA COZ, Las piedras de mis muertas, piedra, tela, hilo, dimensiones variables, 2024.
Reseña de obra
Una instalación formada por un video transmitido en un monitor de alta gama tecnológica rodeada de piedras envueltas en telas amarradas con hilo rojo, es la obra que Alejandra Coz dispone a ras de suelo para dialogar con Lotty Rosenfeld, su madre y autora del video. Las piedras recogidas del jardín bajo el árbol seco de su casa, las telas y retazos que su madre guardaba por si acaso, el hilo rojo que usó para anudar una edición dedicada a su madre, son recursos inanimados que en manos de la artista se convierten en memoria visual y significante de un proceso biológico que nunca cicatriza: la ausencia definitiva del otro. Presente y pasado dialogan en esta obra a través de ofrendas fúnebres que no se marchitan. Según la autora, tradición judía es dejar piedras sobre las tumbas. Aquí una tumba para Lotty Rosenfeld.
XIMENA MEDINA SANCHO, Icalma, xilografía sobre papel Canson 250 gr, 56 x 77 cm, edición de 8 ejemplares, 2021.
XIMENA MEDINA SANCHO, Pehuén, xilografía sobre papel Canson 250 gr, 77 x 56 cm, edición de 12 ejemplares, 2021.
XIMENA MEDINA SANCHO, Candelabro del desierto, xilografía sobre papel japonés Hokusai, 118 x 86 cm, edición de 8 ejemplares, 2023.
Reseña de obra
Las imágenes que fundan el cuerpo de obra de Ximena Medina Sancho surgen de un proceso selectivo de la naturaleza, como si asistiéramos a una antología del paisaje, en particular de la Cordillera de Los Andes y su entorno cercano. Mediante encuadres propios, ya sea desde un avión o sobre el terreno, la artista traza un mapa visual del territorio chileno: del desierto a la cordillera y sus montañas nevadas, los volcanes y sus fumarolas, las araucarias y el bosque nativo, ríos y lagos, las nubes y la lluvia, incluso. Trabajo que realiza tallando luces y texturas en una superficie de madera, que luego entinta y estampa sobre papel.
Con esta iconografía en desarrollo, la artista quiere poner en valor y enfatizar la importancia de la protección de la naturaleza, amenazada principalmente por factores como el cambio climático que degradan la biósfera del planeta.
GIAN PADILLA, Líneas (in)terrumpidas, lino tejido en bajo liso, 214 x 68 cm cada uno, 2021.
GIAN PADILLA, Improvisaciones, lino tejido en bajo liso, 207 x 68 cm cada uno, 2020.
Reseña de obra
La serie Líneas (in)terrumpidas e Improvisaciones de Gian Padilla, compuesta por 4 tapices de diseño geométrico, encuentra sus principales referentes en la escuela de artistas de la Bauhaus, como Josef y Annie Albers. En el caso de Padilla aportando una composición de planos y diagonales yuxtapuestos que sintetizan mediante transparencias y quiebres tectónicos, un ritmo o dibujo conceptual que permiten a la artista, en el complejo proceso del telar, crear siguiendo un patrón o estructura de tejido lúcido que en su arte se vuelve auténtico.
ESTELA MORENO, Transformación, papel, 120 cm de diámetro, 2024.
Reseña de obra
Transformación es una pieza concebida por Estela Moreno, ingeniera del papel que emplea este medio como vehículo para explorar la geometría y expresar la continua evolución del individuo. La obra, compuesta por sólidos platónicos y poliedros truncados, es un reflejo simbólico de los desafíos y las experiencias de la vida que nos conducen inevitablemente hacia el aprendizaje y el crecimiento personal.
Inspirada en la filosofía de Platón, específicamente en su obra Timeo, Estela ha reinterpretado la asociación que el filósofo estableció entre los cuatro elementos fundamentales del universo griego -fuego, aire, agua y tierra- y diferentes formas poliédricas. En esta obra, el tetraedro representa el fuego, el octaedro el aire, el icosaedro el agua y el hexaedro (cubo) la tierra, capturando así la esencia elemental de la existencia.
Además, Transformación incorpora el último poliedro regular según Platón, el dodecaedro, el cual se relaciona con el universo en su totalidad. Invita así al espectador a reflexionar sobre la interconexión entre la geometría, la filosofía y el proceso de transformación personal, invitándonos a sumergirnos en un viaje de autodescubrimiento y crecimiento interior.
GOTZA GOTZA, Cabeza vacía, instalación, dimensiones variables, 2024.
Reseña de obra
Experimenta el poder transformador de la performance Cabeza Vacía: una exploración de los rasgos TDAH (Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad) y la búsqueda de claridad mental. Arraigada en principios chamánicos y simbolismo ritualístico, esta performance ahonda en la lucha del artista con trastornos ocasionales de vacío mental y distracción.
En el corazón de la performance yace un ritual sagrado. Recreada en un espacio adornado a partir de objetos naturales y esculturas imbuidas de significado místico, el altar sirve como punto focal para el viaje transformador que se avecina.
Lo central de la performance gira entorno a la creación de una máscara única: un tocado adornado con un agujero sobre la cabeza como metáfora de aquellos momentos de niebla mental y olvido. Esta representación simbólica de la lucha interna del artista traza una vía para su transformación y curación.
Tomando como fuente de inspiración la resiliencia del pulpo, que se adapta y supera desafíos con una inteligencia notable, la artista emprende un viaje personal de reconstrucción y renovación. Por medio de la escritura ritual de ideas o pensamientos en papeles de colores, y la acción de lanzarlos a través del agujero en la cabeza, la artista forja simbólicamente un nuevo camino hacia la claridad y la retención.
Este es un viaje de autodescubrimiento y transformación, explorando las profundidades de la mente humana y el poder del ritual para sanar y empoderar.
ARAUCÀRIA 